El paisaje no es únicamente una expresión bucolica que sirve para idealizar el campo,  la vida en la naturaleza o las magnificencias de las montañas su entorno, la vegetación etc.. Esta sería una visión poco profunda de lo que en realidad puede ser un paisaje. El ojo humano está acostumbrado por cientos de años a que un paisaje solo pueda determinarse a este tipo de expresiones. Aunque esto es así, porque el ser humano tal y como enuncian los filosofos, el ser ghumano es en realidad un animal de costumbres. El paisaje puede perfectamente expresar el entorno en el centro de la mas bulliciosa de las ciudades, con o sin sus habitantes y seguirá siendo un paisaje. En este caso llamamos al paisaje urbano. Igualmente desde hace cientos de años los artistas nos han enseñado este tipo de trabajos y han cosechado grandes éxitos con sus obras. Basta con recordar algunos paisajes de Vermeer de Delft, los paisajes urbanos de Venezia de Antonio Canaletto, algunos paisajes urbanos de Claudio de Lorena, o en la actualidad la obra del pintor hiperrealista español Antonio López “La gran vía madrileña” que se ajusta perfectamente a lo que aquí estamos tratando. Tambien podeis ver algunas obras de otro gran pintor español afincado en Estados unidos César Galicia. www.cesargalicia.com

Por tanto no limitar el concepto de paisaje a lo bucólico, incluid en el concepto de paisaje urbano.
 

Lo bueno de una pintura de naturaleza muerta o un bodegón es que este bien empezada. El momento de empezar una pintura es trascendente, puesto que por lo general, verdaderamente un buen principio implica un buen final.

Para los primeros estudios de dibujo y pintura, es aconsejable que intentar expresar el claroscuro con figuras de yeso. Con el blanco de las figuras de yeso y la luz, se consiguen muchas gradaciones de claroscuro que conviene aprender a matizar. El estudio en profundidad de la luz sobre el blanco, es causa y efecto de multiplicidad de colores y formas proyectadas en las formas con extremada sutilidad. es precisamente en esta sutil reflexión de la luz donde el artista debe perfeccionar, su técnica y la expresión. Con ello conseguirá expresar mejor sus propios sentimientos hacia el volumen. No olvidemos que aunque la figura de yeso fuera blanca, en ningún caso si estuvieramos haciendo un estudio de pintura, el resultado podría ser blanco. el blanco no es un color, sino una superficie que refleja los colores de las cosas que tiene enfrente, a los lados, arriba y abajo. Refleja asimismo los colores de la luz que lo inunda y el color de la atmosfera que hay entre el pintor y el objeto. Por tanto el blanco está influenciado por todos estos factores ocircunstancias descritas anteriormente. Resulta imprescindible el estudio profundo en estas materias para llegar a comprenderla profundidad del blanco, mas allá del significado puramente simbolico del blanco y nunva mejor empleada la palabra puramente, puesto que el blanco está indefectiblemente asociado a la pureza.

Además por lo general al pintor no solo le beneficia el estudio de las superficies blancas, teñidas de todos los colores, sino que además debe familiarizarse con los pigmentos blancos, pues son por lo general los que em mayor cantidad utilizará a lo largo de su carrera como pintor. Y conseguirá  perfeccionala técnica del claroscuro o el conocimiento en la expresión de la luz.

Otro apartado importante es la composición. existen muchas maneras de disponer los objetos, se puede prestar muchísima atención o ninguna en la composición del cuadro y  la disposición de los elementos en el cuadro. Los pintores antiguos clásicos, ya tenían teorías sobre la composición que establecía incluso lo que llamaban proporción aurea. esta medida es aplicable a las obras figurativas de todo tipo no solamente a la temática ”Still life2. Aunque los autores clásicos contemporáneos están divididos en cuanto al tema de guardar unos canones con respecto a la composición, así los hay que mantienen una estructura muy orhanizada con respecto a la geometría compositiva del cuadro. Los hay que prefieren no pensar en ello para asó poder expresar la libertad total del conocimiento y no estar sujetos a normas. 

No obstante lo ideal es saber reconocer las geometrías así por ejemplo en rasgos generales podremos recoocer si un cuadro guarda una cierta simetría o la composición es piramidal u de cualquier otra forma. Sin embargo una vez conocidas las fórmulas y las diferentes reglas pictóricas, el artista debe dejarse influenciar únicamente de su propio pensamiento, es decir, si cree que es bueno para la obra no guardar ninuna norma, posiblemente sea lo mejor para esa obra, ya que es la única forma en que podría expresar este tipo de sentimiento. Aí por ejemplo en cuanto a la perspectiva, Vincent van Gohg conocía perfectamente las leyes de la perspectiva, sin embargo prefiere expresarla con libertad. De no ser así sus cuadros en lugar de expresar su propia sensación acerca del mundo que lo rodeaba, sería mas como una maquina o un programa de ordenador que es capaz de hacer una perspectiva perfecta, pero que en nada se diferencia del resultado que nos daría otro proggrama diferente para esa misma perspectiva, de no ser que un programa sea mas rapido que el otro.

Lo que significa que lo que hace al artista grande son sus conociminetos saberlos expresar y el conjunto de defectos y virtudes que reune todo ser humano. Eso es  lo que resulta ser el estilo.

Otra posibilidad es añadir textura y pastosidad a la pincelada. Los espesores y densidades empiezan a interesar al pintor contemporáneo, así como el rastro y la impronta de la herramienta encima del apoyo que a su paso deja el pigmento, un pigmento que se pierde en el transcurso del recorrido.
Este tipo de obras siguen la tónica iniciada de purificar, esencializar, dejar que el vacío coja su espacio.
Los estrepitosos ruidos, los forzados dramatismos, episodios de gestos, enquistos y manchas, se  compactan y dan paso a una serena suficiencia que coincide con laetapa de madurez de un pintor.

Cualquier aproximación a la obra que aquí se propone, requiere una mirada que aguante la confrontación exclusivamente pictórica; porque lo que debe ver el espectador a mendo no es una figura de aquello conocido; que el espectador sepa ver una pintura que se expresa por si misma

Apoyate en la magistral seguridad del dibujo, hay que intentar hacer del arte una verdad pura y eterna.

La pintura de Modelos del natural: deben de ser pintadas con la mayor vitalidad y una alegría de pinceladas que impidan que parezcan falsas y vacías, que en ellas se pueda ver la profunda voz del sueño.

En primer lugar se debe partir de convicciones que reposen en el entendimiento del arte, cualquiera que sea su manifestación, como un fin en si mismo que facilite la comunicación y el propio conocimiento del ser humano.

Aquí teneis un maravilloso tratado de dibujo y pintura artística.

(Autorretraro de Antoni Conejo).